Παραστάσεις

24 KDF 2018

2018

COMPAÑΙA SHARON FRIDMAN 
FREE FALL

 

13 & 14.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Κεντρική σκηνή | 22:00

Sharon Fridman

Ο Sharon Fridman [Σαρόν Φρίντμαν] δημιουργεί μια ιδιαίτερα ενδιαφέρουσα χορογραφία για πέντε επαγγελματίες χορευτές και είκοσι ερασιτέχνες.

Η πτώση, η καθετότητα, η επαφή, η αναγκαιότητα και η ώθηση είναι τα βασικά στοιχεία που συνθέτουν το Free Fall, μια γεμάτη τόλμη χορογραφία που δοκιμάζει τα όρια της σταθερότητας.

Η πτώση γίνεται μια συνεχής αφετηρία από την οποία γεννιέται μια απέραντη ποικιλία κινήσεων, καθώς το σώμα αντιστέκεται στην απώλεια της όρθιας θέσης. Ο επαναλαμβανόμενος χωρισμός και η επανένωση των σωμάτων δημιουργούν δυνατές εικόνες και ενεργοποιούν σύνθετες και λεπταίσθητες δυναμικές. Η πρώτη ύλη για τη σύνθεση της κίνησης είναι η φυσική κίνηση, από την οποία αναδύεται ένας ουσιαστικός χορός, απογυμνωμένος από τεχνάσματα και πόζες.

Στην αναζήτηση της αληθινής δεξιοτεχνίας, η ειλικρίνεια πηγάζει από τον βαθύ σύνδεσμο του καλλιτέχνη με αυτό που εκφράζει.

Παγιδευμένο σε έναν φαύλο κύκλο πτώσης και επανόρθωσης, το Free Fall είναι μια εκπληκτική παράσταση που μας καλεί να ανακαλύψουμε εμείς οι ίδιοι αν είναι πράγματι δυνατή μια ελεύθερη πτώση.

Διάρκεια: 60’

--

Καλλιτεχνικός διευθυντής: Sharon Fridman
Χορογραφία: Sharon Fridman σε συνεργασία με τους χορευτές
Χορευτές: Tania Garrido, Richard Mascherin, Lucía Montes, Melania Olcina, Juan Carlos Toledo
Δραματουργία: Antonio Ramírez-Stabivo
Πρωτότυπη μουσική: Luis Miguel Cobo & Idan Shimoni
Κοστούμια: MIZO, by Inbal Ben Zaken
Φωτισμός: Sergio García, Shahar Werechson
Live προβολές: Ofer Smilansky
Ήχος: Iñaki Ruiz Maeso
Γραφιστικός σχεδιασμός: oficina 4play
Βίντεο: Damián Varela, Eva Viera
Φωτογραφίες: Ignacio Urrutia

Παραγωγή & ∆ιοίκηση: Lola Ortiz de Lanzagorta
Καλλιτεχνικό γραφείο: Frans Brood Productions

Σε συμπαραγωγή με:

1 mercat    

Με την υποστήριξη: 

2 israel 

 --

 Sharon Fridman

Η ομάδα σύγχρονου χορού Compañía Sharon Fridman ιδρύθηκε το 2006 στη Μαδρίτη. Καλλιτεχνικός διευθυντής της ομάδας είναι ο Sharon Fridman [Σαρόν Φρίντμαν], του οποίου έργα έχουν παρουσιαστεί σε φεστιβάλ και αίθουσες παραστάσεων σε Γαλλία, Ιταλία, Γερμανία, Βέλγιο, Ηνωμένο Βασίλειο, Ολλανδία, Κολομβία, Ν. Κορέα και Σιγκαπούρη. Οι δημιουργίες του έχουν βραβευθεί, μεταξύ άλλων, στο ∆ιαγωνισμό Χορογραφίας Μπούργος - Νέας Υόρκης, στον ∆ιεθνή ∆ιαγωνισμό Χορογραφίας «Αλίθια Αλόνσο», το ∆ιαγωνισμό Χορογραφίας της Μαδρίτης, στη ∆ιεθνή Συνάντηση Θεάτρου και Χορού της Χουέσκας, την Πλατφόρμα Χορού της Βέρνης, τη διοργάνωση Max Award 2015. Η δουλειά της ομάδας βασίζεται σε τρεις άξονες: τον κώδικα επικοινωνίας, την κοινωνική διάσταση του χορού και την κατάργηση της σύμβασης «σκηνή-θεατής» («σπάσιμο του τέταρτου τoίχου»). Πολλές διεθνείς ομάδες έχουν εντάξει στο ρεπερτόριό τους έργα της Compañia Sharon Fridman (Εθνικό Μπαλέτο της Παραγουάης, Kukai Dantza-Ισπανία, ομάδα χορού Vertigo-Ισραήλ, Compagnie Jus de la Vie-Σουηδία, Compañía Nacional de Danza-Ισπανία).

OLIVIER DE SAGAZAN 
TRANSFIGURATION

13 & 14.7.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Στούντιο | 20:00

Olivier De Segazan 2

Το Transfiguration αφηγείται την ιστορία της ανεκπλήρωτης επιθυμίας του ζωγράφου και γλύπτη να εμφυσήσει ζωή στο δημιούργημά του. Σε μια χειρονομία απελπισίας, καλύπτει με πηλό το κεφάλι του, θάβοντας έτσι τον εαυτό του, εξαλείφοντας την ταυτότητά του, μεταμορφωνόμενος σε ζωντανό έργο τέχνης. Το υλικό όμως του κρύβει το φως και τον αναγκάζει να στρέψει το βλέμμα βαθιά μέσα του.

Σε μια συγκλονιστική παράσταση, ο Olivier de Sagazan [Ολιβιέ ντε Σαγκαζάν] αλλάζει ταυτότητες επί σκηνής – από άνθρωπος σε ζώο και από ζώο σε διάφορα υβριδικά πλάσματα. ∆ιαπερνά, ξεκολλά και αφαιρεί τα στρώματα του πηλού από το πρόσωπό του, σε μια αγωνιώδη αναζήτηση νέας ουσίας και μορφής. Ο Sagazan δηλώνει σχετικά: «Με αφήνει κατάπληκτο το πόσο φυσιολογικό, ακόμη και ασήμαντο, θεωρούν οι άνθρωποι το γεγονός ότι είναι ζωντανοί». Στο Transfiguration, ανασημασιοδοτεί την έννοια της ζωής, προσφέροντας μια συναρπαστική, ενοχλητική αλλά και συγκινητική ματιά σε μια εναλλακτική αντίληψη του εαυτού, απελευθερωμένου από αναστολές.

Διάρκεια: 45’

∆εν επιτρέπεται η είσοδος σε ανήλικους κάτω των 16 ετών.

--
Ερμηνεύει ο Olivier de Sagazan

Καλλιτεχνική διεύθυνση: Gaelle de Sagazan

Με την υποστήριξη:

 

CMYK Ambass eps

IFA 111 logotype outline CMYK

--

 Olivier

Ο Olivier de Sagazan [Ολιβιέ ντε Σαγκαζάν] γεννήθηκε στο Κονγκό και μεγάλωσε στη Γαλλία. Σπούδασε βιολογία, αλλά εδώ και δύο δεκαετίες έχει αφιερωθεί στην τέχνη. Στο έργο του, ο Sagazan διερευνά το σώμα του καθώς και τις δομές που καθορίζουν το άτομο, όπως οι επιταγές της κοινωνίας, του πολιτισμού και της Ιστορίας. Η δημιουργική διαδικασία του καλλιτέχνη συνίσταται στην τοποθέτηση και διαδοχική αφαίρεση στρωμάτων πηλού έως ότου αποκαλυφθεί ένα άγριο, αρχέγονο και απελευθερωμένο άτομο.
Η σειρά έργων Transfiguration δημιουργήθηκε το 1999 και καταπιάνεται με την αναζήτηση της σαμανιστικής, ζωώδους και αδάμαστης ουσίας της ανθρώπινης φύσης.
Εκτός από τις σκηνικές του εμφανίσεις, έχει εμφανιστεί επίσης στην κινηματογραφική ταινία Samsara του Ron Fricke, την τηλεοπτική
σειρά Channel Zero του Nick Antosca, σε βιντεοκλίπ των Mylène Farmer και FKA Twigs καθώς και σε ταινία μόδας με τους Nick Knight και Gareth Pugh.

CIE CIRCONCENTRIQUE
RESPIRE

15 & 16.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Στούντιο |  15.07 | 20:00 & 16.07 | 21:00

Cie Circocentrique

Τα δύο μέλη του θιάσου Circoncentrique, o Alessandro Maida [Αλεσσάντρο Μαΐντα] και ο Μaxime Pythoud [Μαξίμ Πυτού], φίλοι τόσο δεμένοι όσο η εισπνοή και η εκπνοή, καταδύονται στα βάθη της φιλίας τους με συνοδό τη μουσική της Lea Petra [Λέα Πέτρα].

Μια περιπέτεια που μας παρασύρει σε έναν ανεμοστρόβιλο ακροβατικής ποίησης μέσα από το ρυθμό της αναπνοής και τη δεξιοτεχνική ευκινησία των δύο περφόρμερ. Το διεθνώς βραβευμένο έργο, που περιοδεύει ανά τον κόσμο από το 2012, είναι εμπνευσμένο από τη σχέση γεγονότος και συναισθήματος και την επίδρασή τους στην αναπνοή. Τα σώματα των δύο ακροβατών γίνονται ο καμβάς για να αποτυπωθεί αυτό το τριώνυμο. Η αναπνοή είναι το συνδετικό νήμα με το κοινό, με το οποίο οι δύο ακροβάτες μοιράζονται τα συναισθήματα, τις εκπλήξεις και τους φόβους τους.

Με όχημα έναν μεταλλικό τροχό, μπάλες και μεγάλες σφαίρες, οι δύο περφόρμερ εκτελούν τολμηρές κινήσεις ισορροπίας υπενθυμίζοντάς μας ότι στην περιοχή του κινδύνου, τότε που είμαστε ευάλωτοι, μπορούμε να επανεκτιμήσουμε τα πράγματα με ειλικρίνεια, απλότητα και πραγματικά συναισθήματα.

Διάρκεια : 55΄

--
Σύλληψη-Ερμηνεία: Alessandro Maida, Maxime Pythoud
Πρωτότυπη μουσική: Lea Petra
Πιάνο: Isil Bengi
Παραγωγή-Επικοινωνία: Cécile Imbernon - La chouette diffusion

--

 Cie

Οι Circoncentrique είναι ένας σύγχρονος θίασος τσίρκου: ο Alessandro Maida [Αλεσσάντρο Μαΐντα] και ο Maxime Pythoud [Μαξίμ Πυτού], απόφοιτοι της École supérieure des arts du cirque (ESAC) στις Βρυξέλλες, πρωτοεμφανίστηκαν ως ομάδα τον Απρίλιο του 2010 με τη σαραντάλεπτη παράσταση Les voisins, την οποία μετεξέλιξαν στο μεγαλύτερης διάρκειας Respire. Και οι δύο έχουν λάβει μέρος σε πολυάριθμα φεστιβάλ στην Ευρώπη συμμετέχοντας σε παραστάσεις όπως: Le Stagioni, Tôle και Parenthèses d’harmonie του Roberto Magro, Des Astres και Eclipses του Sylvain Honorez, Ce que l’on ne nous raconte plus του Reynaldo Rampessard και Human Rights 60 του Guillermo Heras. Έχουν τιμηθεί, μεταξύ άλλων, με το Βραβείο Κοινού και ∆ημοσιογράφων στο Φεστιβάλ Pistes de Lancement καθώς και με βραβεία και μετάλλια στα φεστιβάλ: Mondial du Cirque de Demain (Παρίσι), D’Watt (Βουδαπέστη) και Young Stage (Βασιλεία).

Η Lea Petra [Λέα Πέτρα] άρχισε να συνεργάζεται με τους Circoncentrique τον τελευταίο καιρό. Πολυβραβευμένη πιανίστα, έχει αποσπάσει καθ’ όλη τη διάρκεια της καριέρας της πολλές διακρίσεις, μεταξύ των οποίων και το α΄ βραβείο στο ∆ιαγωνισμό Μουσικής ∆ωματίου Μπετόβεν από το BPSE (Λονδίνο). Σήμερα είναι η πιανίστα του μουσικού σχήματος L’Orchestre du Mouvement Perpétuel, που τιμήθηκε με το α΄ βραβείο στην Μπιενάλε Γαλλικού Τραγουδιού 2004, ενώ συμμετέχει σε διάφορα πρότζεκτ στις Βρυξέλλες ως τραγουδοποιός.

ULTIMA VEZ / WIM VANDEKEYBUS 
GO FIGURE OUT YOURSELF

15.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Κεντρική σκηνή | 18:30 & 22:00

Wim+Ultima Vez

Μπορεί να είναι ένα καμπαρέ ερωτήσεων χωρίς απαντήσεις
Μπορεί όλα να αφορούν «εσένα»
Μπορεί να πρέπει να έρθεις μόνος/η
Μπορεί στο τέλος να βρεις την αληθινή αγάπη
Μπορεί να είναι ένα ταξίδι στη σκοτεινή πλευρά
Μπορεί να είναι η τελευταία επικήδεια τελετή του θεάτρου
Μπορεί να είναι ένας λαβύρινθος από καθρέφτες
Μπορεί να μην κάνει για σένα
Μπορεί να κλάψεις
Μπορεί να σου θυμίσει ότι γεννήθηκες γυμνός
Μπορεί να πρέπει να «μη φοβάσαι»
Μπορεί η πλήξη να είναι ο εχθρός της διαμάχης
Μπορεί όλα να είναι ψέμα και να σου αρέσει
Μπορεί να είναι άλλο ένα ναρκωτικό
Μπορεί να σε αλλάζει οριστικά
Μπορεί τελικά να σε ικετεύουμε και εσύ να αποφασίζεις
Μπορεί να μη φτάσεις καν στο τέλος
Μπορεί να ήρθε η ώρα να εγκαταλείψεις τον εαυτό σου
Μπορεί οι άλλοι να μην μπορούν να το περιγράψουν
Μπορεί απλά να πρέπει Να Βγάλεις Άκρη Μόνος Σου
(Go Figure Out Yourself)

Το Go Figure Out Yourself αποτελεί μια αναμέτρηση με το κοινό σε μη προετοιμασμένο χώρο. Πέντε διαφορετικά πρόσωπα σου δείχνουν έναν τόπο όπου οι σκέψεις σου διαμορφώνονται απλά και μόνο παρακολουθώντας και ακούγοντας τους άλλους.

Το Go Figure Out Yourself είναι μια συνολική αναζήτηση. Με την υπόκρουση λέξεων, μουσικής και χορού, καλείσαι να παραδοθείτε σε μιαν απρόσμενη και συναρπαστική διαδρομή. Και στην εξουσία του ματιού. Σε κοντινό πλάνο.

Το Go Figure Out Yourself διερευνά τα όρια μεταξύ θεατών και ηθοποιών. Κάνοντας ελεύθερα απλές κινήσεις στο χώρο, συμμετέχεις σε μια συλλογική δράση.

Το Go Figure Out Yourself είναι μια παράσταση που σε αφήνει με περισσότερες ερωτήσεις απ’ ό,τι απαντήσεις. Η βραδύτητα των πολλών αντιτίθεται στην ταχύτητα του ενός. Το όλον είναι μεγαλύτερο από το άθροισμα των επιμέρους. Το καθετί είναι ως έχει.

Διάρκεια: 75’

--

Σκηνοθεσία - Χορογραφία - Σκηνογραφία: Wim Vandekeybus
Συνδημιουργοί & Χορευτές: Sadé Alleyne, Maria Kolegova,
Hugh Stanier, Kit King, Tim Bogaerts
∆ραματουργία: Aïda Gabriëls
Επιμέλεια κίνησης: Germán Jauregui
Σχεδιασμός φωτισμού: Davy Deschepper, Wim Vandekeybus
Σχεδιασμός κοστουμιών: Isabelle Lhoas
Τεχνικός υπεύθυνος: Davy Deschepper
Ηχολήπτης: Bram Moriau
∆ιευθυντής σκηνής: Tom de With
Παραγωγή: Ultima Vez
Συμπαραγωγή: Les Brigittines (Βρυξέλλες)

Με τη στήριξη, ως προς την ένταξη σε Ευνοϊκό Φορολογικό Καθεστώς, της Βελγικής Ομοσπονδιακής Κυβέρνησης και της Casa Kafka Pictures (με τη συνδρομή της Belfius).

Η Ultima Vez επιχορηγείται από τις Φλαμανδικές Αρχές και την Κοινοτική Φλαμανδική Επιτροπή της Περιφέρειας Πρωτευούσης Βρυξελλών.

--

 ULTIMA VEZ

Ο Wim Vandekeybus [Βιμ Βαντεκέυμπους] είναι χορογράφος, φωτογράφος και κινηματογραφιστής. Είναι ιδρυτής της ομάδας Ultima Vez και πρωτοπόρος των σύγχρονων παραστατικών και εικαστικών τεχνών. Έχει μια καλλιτεχνική πορεία 30 και πλέον χρόνων, με μόνιμη βάση τις Βρυξέλλες και τη Φλάνδρα.

Ο Vandekeybus ξεκίνησε την καριέρα του με μια διεθνή επιτυχία, το What the Body Does Not Remember, για το οποίο τιμήθηκε με το βραβείο Bessie (New York Dance and Performance Award) πρωτότυπης δημιουργίας. Συνεργάζεται με καλλιτέχνες που χρησιμοποιούν διαφορετικές μορφές έκφρασης, με σταθερό όχημά του την ομάδα Ultima Vez και το μοναδικό κινησιολογικό της ιδίωμα. Το 2012, τιμήθηκε με το βραβείο Keizer Karel της Επαρχίας της Ανατολικής Φλάνδρας και ένα χρόνο αργότερα έγινε, μαζί με τους Ultima Vez, ο έκτος παραλήπτης του βραβείου Evens Arts Prize. Το 2015, προβλήθηκε η πρώτη του ταινία μεγάλου μήκους, Galloping Mind. Το 2016, εκδόθηκε το πολυαναμενόμενο βιβλίο των Ultima Vez, The Rage of Staging, ένα εικαστικό ταξίδι, μέσα από τις πιο δυνατές εικόνες από το ρεπερτόριο του Vandekeybus, σε αναζήτηση των ιδεών και των θεμάτων που τον εμπνέουν.

 

THI-MAI NGUYEN 
ETNA

17.07.2018
 Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Στούντιο | 20:00

Thi Mai

Μετά από παγκόσμια περιοδεία, το σόλο Etna της Thi-Mai Ngugen [Τι-Μάι Ενγκοϊγέν] παρουσιάζεται στο 24o Φεστιβάλ Χορού Καλαμάτας ώριμο και εξελιγμένο. Η Thi-Mai, με το μικρό της σώμα και τις αδιανόητες χορευτικές ικανότητες, είναι μια πολυτάλαντη γυναίκα. Χορεύει, τραγουδάει και υποδύεται ρόλους, δημιουργώντας μια σπαρακτική παράσταση. Παίζει την Έτνα, μια νεαρή άστεγη, βυθισμένη στην τρέλα, με ένα μαγνητόφωνο στα χέρια. Ακούμε, μέσα από το μαγνητόφωνο, τους ήχους της παρελθοντικής ζωής της να αναθερμαίνουν το σώμα και τη μνήμη της.

Η Έτνα χορεύει για να ξορκίσει την κακιά της μοίρα, για να κρατήσει μέσα της ζωντανή τη σπίθα για ζωή. Χορεύει χάρη σε μια επίμονη, μέσα στο τέλμα της, λαχτάρα να νιώσει, να υπάρξει και να αγαπήσει. Αντίθετα από το αναμενόμενο, οι άστεγοι είναι οι επιζώντες μιας φοβερά σκληρής και δυσάρεστης πραγματικότητας. Εξαφανίζονται πίσω από ένα πέπλο μοναξιάς, περιπλανώμενοι σαν σκιές στην καρδιά των πόλεών μας. Η αινιγματική τους παρουσία, που κινείται συνεχώς στα πρόθυρα του θανάτου, φαίνεται να μετατοπίζει το διακύβευμα της ύπαρξης από τη δράση και την επιτυχία στην επιβίωση του Εαυτού.

H Etna παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στις 7, 8 και 9 Μαρτίου 2018 στο Théâtre de la Balsamine στις Βρυξέλλες, και στις 29 και 31 Μαΐου στο Théâtre Marni.

∆ιάρκεια: 45’

--

Σκηνοθεσία-Xορογραφία: Thi-Mai Nguyen
Ερμηνεία: Thi-Mai Nguyen
Mίξη ήχου: Benjamin Dandoy
Σχεδιασμός ήχου: Antoine Delagoutte
Σχεδιασμός φωτισμού: Rémy Urbain

Συμπαραγωγή με το Théâtre de la Balsamine

  logo balsamine

 

Με τη στήριξη των Théâtre Marni και Garage 29

Με την επιχορήγηση της Ομοσπονδίας Βαλλονίας-Βρυξελλών

Θερμές ευχαριστίες:

La Maison de la création, Ultima Vez, Théâtre Marni, Théâtre de la Balsamine, Marie Hossenlopp, Laida Aldaz Arrieta, Lucy Debay, Hugues Anhes

--

 Thi Mai Nguyen

H Thi-Μai Nguyen [Τι-Μάι Ενγκοϊγέν] σπούδασε στο Κονσερβατουάρ του Παρισιού (1995-1999) και κατόπιν στη σχολή PARTS (2000-2002). Αμέσως μετά τις σπουδές της, συνεργάστηκε με τον βέλγο χορογράφο Wim Vandekeybus και την ομάδα χορού Ultima Vez σε έργα όπως τα: Blush, Puur, Spiegel, Radical Wrong, Oedipe καθώς και στις ταινίες Blush και Here After. Το 2010, συνεργάστηκε με τη Michelle Anne de Mey στην παράσταση Sinfonia Eroica.

Το 2012, συνεργάστηκε με την ομάδα La compagnie du Hanneton του James Thierrée στην παράσταση Τabac Rouge, και κατόπιν στην παράσταση La grenouille avait raison μέχρι το 2017. Φέτος, συνεργάστηκε με τον James Thierrée στη χορογραφία τού Frôlons, μιας παράστασης για 56 χορευτές που ανέβηκε στην Όπερα του Παρισιού.

Η Etna είναι το πρώτο της σόλο, του οποίου μικρότερη εκδοχή έχει παρουσιαστεί στο θέατρο La Maison de la création και στο Φεστιβάλ του Κόρτρεϊκ στο Βέλγιο, στο 14ο Ασιατικό Φεστιβάλ Τεχνών του Τσουάντσοου (2015), στο Φεστιβάλ Χορού στο Ντελτέμπρε της Ισπανίας και στο Αμφιθέατρο CRR93 στο Ωμπερβιλλιέ (2016).

ΤΖΕΝΗ ΑΡΓΥΡΙΟΥ 
ΑΝΩΝΥΜΟ

17.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Κεντρική σκηνή | 22:00

Tzeni Argiriou

Το Ανώνυμο επιχειρεί να αποτυπώσει την πορεία του κοινωνικού συνόλου από την εποχή που η καλλιτεχνική πράξη αποτελούσε εφαλτήριο ανθρώπινης σύνδεσης και συλλογικής διαμόρφωσης έως τη σύγχρονη ψηφιακή εποχή, όπου η ανωνυμία, η ιδιωτικότητα και η ομαδικότητα μεταλλάσσονται ως κομμάτια μιας παράδοξης, κατακερματισμένης πραγματικότητας.

Πώς το μοίρασμα στον εικονικό χώρο επηρεάζει την εγγύτητα και επαφή στον φυσικό χώρο;

Ποια είναι τα στοιχεία εκείνα που ανά τους αιώνες φέρνουν τους ανθρώπους αυθόρμητα κοντά;

Μπορεί ο χορός να αποτελέσει σήμερα μέσο συλλογικής ενδυνάμωσης;

Μπορούμε να μοιραστούμε έναν κοινό χώρο;

Τι συμβαίνει όταν η μουσική σταματά;

Η Τζένη Αργυρίου αφουγκράζεται τις έννοιες της σωματικής μνήμης, της θεμελιακής ανθρώπινης επαφής, της συνοχής μιας ομάδας, και πατώντας γερά στις ρίζες και τις τελετουργίες μύησης και συμμετοχής προτείνει μια σύγχρονη κινησιολογική γλώσσα. Αποπειράται έτσι να σχεδιάσει ένα ταξίδι που θα γεφυρώνει το ψηφιακό και το σωματικό σύμπαν αναζητώντας έναν παρόντα χώρο.

Διάρκεια: 70΄

--

Σύλληψη & Χορογραφία: Τζένη Αργυρίου
Ερμηνευτές: Ερμής Μαλκότσης, ∆ήμητρα Μερτζάνη, Κωνσταντίνος Παπανικολάου, Ιωάννα Παρασκευοπούλου, Σταυρούλα Σιάμου, Νάνσυ Σταματοπούλου, ∆ημήτρης Σωτηρίου
Δραματουργία: Miguel Angel Melgares 
Σκηνογραφία & Εικαστική επιμέλεια: Βασίλης Γεροδήμος
Πρωτότυπη μουσική & Ηχητικός σχεδιασμός: Pepe Garcia Rodriguez
Φωτισμοί: Βαγγέλης Μούντριχας  
Σχεδιασμός κοστουμιών: Ιωάννα Τσάμη
Ηχοληψία: Αντώνης Νικηφόρος 
Έρευνα για τη σωματοποίηση των ψηφιακών μέσων: Ερατώ Τζαβάρα 
Βοηθός χορογράφου & παραγωγής: ∆ανάη Γιαννακοπούλου
Βοηθός χορογράφου & Συντονισμός πρόβας: Αμαλία Κοσμά
Βοηθός σκηνογράφου: Μαριλένη Βούρτση
Βοηθός έρευνας & εφαρμογών: ∆ανάη Αρσενία
Καλλιτεχνική διεύθυνση: Amorphy
Σχεδιασμός παραγωγής: Κωνσταντίνος Σακκάς

Παραγωγή της Στέγης του Ιδρύματος Ωνάση | www.sgt.gr

stegi onasi gr1

Συμπαραγωγή: Διεθνές Φεστιβάλ Χορού Καλαμάτας, Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis (Παρίσι).


kdfgr ren

Με την υποστήριξη του Κέντρου Μελέτης Χορού Ισιδώρας & Ραϋμόνδου Ντάνκαν

lgcr eng

Οργάνωση-Εκτέλεση παραγωγής: Delta Pi | www.delta-pi.org

DELTA PI Logo Main


--

 Tzeni Argiriou c

Iδρυτικό μέλος της amorphy.org, η Τζένη Αργυρίου είναι χορογράφος και media artist. Γεννήθηκε στην Καβάλα (1977). Πάνω από δέκα χρόνια δημιουργεί χορογραφικά έργα με επίκεντρο το διάλογο των παραστατικών τεχνών με άλλα καλλιτεχνικά είδη. Απόφοιτος της Κρατικής Σχολής Ορχηστικής Τέχνης στην Αθήνα, συνέχισε τις σπουδές της, με υποτροφία του Ιδρύματος Ωνάση, στη Νέα Υόρκη, όπου και συνεργάστηκε με χορογράφους όπως οι: Chamecki Lerner, Maria Hassabi, Yin Mei, Amanda Loulaki, Nina Winthrop. Έχει επιμεληθεί πολυάριθμα πρότζεκτ εκ των οποίων το untitled, μια ζωντανή εγκατάσταση/περφόρμανς στο Fast Forward Festival 2 X-apartments, 2015 (παραγωγή της Στέγης Ιδρύματος Ωνάση), το Memorandum, 2013-14 (συμπαραγωγή των Théâtre des Bernardines, O Espaço do Tempo, tanzhaus nrw και Marseille-Provence), Memoria Obscura, 2011-12 (αρχείο Βαγγέλη Νικόπουλου), Pleas(e)nter, 2011 (Kunstkapel Museum, Άμστερνταμ), Dr. Maybe Darling, 2010 (Μουσείο Μπενάκη Αθήνα). Το 2006-2007, υπήρξε καλλιτεχνική διευθύντρια του πρότζεκτ Imap (Integration of Media and Performance), επιχορηγούμενου από το EU Culture 2000, σε συνεργασία με κορυφαίους οργανισμούς media art της Ολλανδίας, Γερμανίας, Ελλάδας και Βουλγαρίας, αποτέλεσμα του οποίου ήταν το έργο See you in Walhalla, 2007 (Φεστιβάλ Αθηνών). Έργα της έχουν παρουσιαστεί, μεταξύ άλλων, στα: Virtual Museum (Άμστερνταμ), Φεστιβάλ Αθηνών, Μουσείο Μπενάκη και CAMP-Αθήνα, ∆ιεθνές Φεστιβάλ Χορού Καλαμάτας, PACT Zollverein (Έσσεν Γερμανίας), InteractionsLabor Media Lab (Γερμανία), Lugar Comum (Πορτογαλία), Try Angle (Μασσαλία), Fringe Festival (Νέα Υόρκη).

EDIVALDO ERNESTO 
TEARS

18.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Στούντιο | 22:00

Edivaldo

Ο Edivaldo Ernesto [Εντιβάλντο Ερνέστο], ένας από τους προσκεκλημένους εισηγητές στα εργαστήρια του 24ου Φεστιβάλ, παρουσιάζει το περίφημο σόλο του, Tears, με σκοπό να παρασύρει το κοινό σε έναν φορτισμένο στοχασμό πάνω στην ανθρώπινη ελευθερία.  Ένας άνθρωπος διχασμένος ανάμεσα στο φόβο και την επιθυμία της περιπλάνησης βασανίζεται από παράλογες αμφιβολίες. Παρακολουθούμε την πορεία του μέσα από κανόνες, που καταλήγουν να γίνουν καταπιεστικοί ρόλοι.

Αποφορτίζοντας την οργή, ο χορευτής στρέφεται προς τα μέσα του, σε κλειστοφοβικές γωνιές, και αφήνεται να παρασυρθεί σε αντιδράσεις που τον μεταμορφώνουν, σε απρόβλεπτες εκρήξεις ενέργειας, με λεπταίσθητες μικροχειρονομίες γεμάτες αφηγηματική δύναμη, που αποτυπώνουν μια κινησιολογική εικόνα σε ευαίσθητη διαλεκτική ισορροπία με τη μουσική. Προκαλώντας μιαν αδιάκοπη ένταση μεταξύ ερμηνευτή και κοινού, το Tears αναπτύσσει ένα στοχασμό πάνω στο τι μπορείς να κάνεις και τι όχι, όταν διεκδικείς την ελευθερία.

Διάρκεια : 50΄

--
Σύλληψη-Χορογραφία: Edivaldo Ernesto
Μουσική: Zbigniew Preisner
Κοστούμια: Edivaldo Ernesto
--

 Edivaldo Ernesto

O Edivaldo Ernesto [Εντιβάλντο Ερνέστο], με καταγωγή από τη Μοζαμβίκη, είναι ειδικός στον αυτοσχεδιασμό, δάσκαλος και χορογράφος. Άρχισε να χορεύει το 1997, σε μικρή ηλικία, παραδοσιακούς χορούς της Μοζαμβίκης και, αφού στράφηκε για την εκπαίδευσή του σε σεμινάρια σύγχρονου χορού, αναδείχθηκε σε ταλαντούχο χορευτή, δάσκαλο και χορογράφο. Για περίπου δεκατέσσερα χρόνια συνεργάστηκε με τον δάσκαλό του, David Zambrano, σε ντουέτα αυτοσχεδιασμών και άλλες παραστάσεις, περιοδεύοντας ανά την υφήλιο. 

Από το 2007 έως το 2014 συνεργάστηκε με την ομάδα της Sasha Waltz, ενώ από το 2012 ξεκίνησε τη συνεργασία του με την Judith Sánchez Ruíz και τον συνθέτη κινηματογραφικών ταινιών Hauschka. Το 2018 συνεργάστηκε με τη Λίντα Καπετανέα στο ντουέτο Half-the-Thruth για την ομάδα Rootlessroot.

Έχει παρουσιάσει δουλειές του στο Bouge B, στο deSingel Festival στην Αμβέρσα, στο Tanzfestival-Kulturzentrum Tempel στην Καρλσρούη, στο Offestival, στο Garage 29 στις Βρυξέλλες, στο Φεστιβάλ Χορού του Γκντανσκ, στο Radialsystem στο Βερολίνο, στο Exit Festival στο Παρίσι με τον γερμανό πιανίστα Hauschka, στο FEC (Fundación Espacio Creativo) στην Πόλη του Παναμά, στο Μουσικό Φεστιβάλ ∆ρέσδης.

Από το 2012 ερευνά και αναπτύσσει με προσήλωση τις δικές του τεχνικές: Deep Movement και  Next Level, δίνοντας σεμινάρια σε όλο τον κόσμο.

ANTON LACHKY COMPANY 
CARTOON

18.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Κεντρική σκηνή | 20:00

Anton lachky company

Ο Anton Lachky [Άντον Λιάχκυ] δημιουργεί μια φρέσκια και πρωτότυπη χορογραφία ειδικά για τα παιδιά (από 6 ετών) και τις οικογένειές τους, χρησιμοποιώντας το στοιχείο της υπερβολής. Με εξαιρετικές ερμηνείες, το σουρεαλιστικό και διασκεδαστικό αυτό παραμύθι, με τις άπειρες προεκτάσεις, μας ταξιδεύει σε μια άγνωστη και παράξενη χώρα. Τέσσερις ήρωες καταλαμβάνονται από το δαιμόνιο της δημιουργίας και μεταμορφώνονται σε πλάσματα που θυμίζουν ήρωες από κινούμενα σχέδια, καθώς δίνονται ολόψυχα σε φαντασμαγορικούς χορούς και απίθανες παλαβομάρες.

Αυτή η ασυνήθιστη και γεμάτη ανατροπές ιστορία για παιδιά ξεδιπλώνεται πάνω σε ένα γοητευτικό στρώμα ήχων, από άριες της όπερας έως τη σύγχρονη ποπ, και με μια ευφάνταστη, ευρηματική χορογραφία. Υπερβολικές, σχεδόν γκροτέσκες μορφές, απόλυτη δεξιοτεχνία και εξαιρετικός συντονισμός είναι μερικά μόνο από τα στοιχεία που κάνουν το Cartoon μια συναρπαστική εμπειρία όχι μόνο για τα παιδιά αλλά και για όλη την οικογένεια.

Διάρκεια : 50’

Επιτρέπεται η είσοδος σε παιδιά άνω των 6 ετών.

 

--

Xορογραφία: Anton Lachky
με τους: Mami Izumi, Anna Karenina Lambrechts, Luan De Lima,
Angel Duran
Σχεδιασμός ήχου και φωτισμού: Tom Daniels
Κοστούμια: Britt Angé
Παραγωγή: Seventyseven
Συμπαραγωγή: Charleroi Danses - Centre chorégraphique
de la Fédération Wallonie - Bruxelles & Krokusfestival

Με την υποστήριξη:
La Fédération Wallonnie Bruxelles και Wallonie-Bruxelles International

federation wallonie
--

 ANTON LACHKY

Ο Anton Lachky [Άντον Λιάχκυ] ξεκίνησε την καριέρα του δυναμικά, με την παράσταση Ma του Akram Khan. Σε ηλικία 20 ετών έκανε διεθνή περιοδεία, χορεύοντας σε 48 χώρες. Μερικά χρόνια αργότερα, συνίδρυσε την κολεκτίβα χορού Les SlovaΚs, η οποία, με τρεις μόνο παραστάσεις, κέρδισε παγκόσμια αναγνώριση.

Ο Anton, διακεκριμένος χορογράφος σήμερα, έχει συνεργαστεί με μερικούς από τους σημαντικότερους διεθνείς θεσμούς: Όπερα του Γκέτεμποργκ (Σουηδία), Body Traffic Company (Λος Άντζελες, ΗΠΑ), Μπιενάλε της Βενετίας (Ιταλία), ∆ημοτικό Θέατρο του Ελσίνκι (Φιλανδία), Θέατρο της Σκωτίας κ.ά.

Η νέα σεζόν προβλέπεται ιδιαίτερα ενδιαφέρουσα, με παραστάσεις, μεταξύ άλλων, στο Χονγκ Κονγκ, το Μεξικό, την Ισλανδία.

Οι χορευτές-φαινόμενα του Cartoon, που προέρχονται από διάφορα μέρη του κόσμου, προσφέρουν μια παράσταση που κόβει την ανάσα.

JUKSTAPOZ  / ΧΡΙΣΤΙΝΑ ΓΟΥΖΕΛΗ & PAUL BLACKMAN
THE ART OF DYING

19.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Στούντιο  | 21:00

Jukstapoz

Η ομάδα Jukstapoz ιδρύθηκε το 2010, με έδρα την Αθήνα, και έχει διεθνή παρουσία σε φεστιβάλ και θέατρα σε όλο τον κόσμο. Το χορογραφικό ύφος της ομάδας είναι έντονα κινηματογραφικό και διακρίνεται για τη δυναμική σωματική γλώσσα (physical theatre).

Το έργο The Art of Dying, το οποίο η Χριστίνα Γουζέλη ερμηνεύει σε πρωτότυπη μουσική του βραβευμένου λαουτίστα Jozef Van Wissem, είναι ένα σόλο εμπνευσμένο από το τρίπτυχο του Ιερώνυμου Μπος Ο κήπος των επίγειων ηδονών, στο οποίο με λεπτό χιούμορ και σουρεαλισμό αποδίδεται το εύθραυστο της ανθρώπινης ύπαρξης. Χορός, εικόνα και εφήμερη μουσική μεταδίδουν τη φευγαλέα ομορφιά αυτής της ύστατης στιγμής πριν έρθει το τέλος της ζωής.

Μέσα σε έναν κήπο στον οποίο κατοικούν τόσο η ζωή όσο και η φθορά, η ερμηνεύτρια συνθέτει ένα τοπίο από μικρόκοσμους σήψης και χαράς.

Η μουσική σύνθεση είναι του Jozef Van Wissem, βραβευμένου ολλανδού μινιμαλιστή μουσικού με έδρα τη Νέα Υόρκη, o oποίος, το 2013, απέσπασε το Βραβείο Μουσικής στο Φεστιβάλ των Καννών για την ταινία του Τζιμ Τζάρμους Mόνο οι εραστές μένουν ζωντανοί.

Διάρκεια : 50΄

--

Χορογραφία: Χριστίνα Γουζέλη & Paul Blackman
Ερμηνεία: Χριστίνα Γουζέλη
Μουσική σύνθεση: Jozef Van Wissem
Κοστούμια: Αγγελική Τσίρου
Σχεδιασμός ήχου: Jeph Vanger, Χρήστος Παραπαγκίδης
Σκηνικά: ∆ημήτρης Νασιάκος
Βοηθός χορογράφου: Μαρία ∆ουλγέρη
Φωτισμοί: Περικλής Μαθιέλλης
Βοηθός παραγωγής: Μαριλένα ∆άρα, Χρήστος Ξυραφάκης
Παραγωγή: Lena John Gomez, Delta Pi

Η ομάδα Jukstapoz επιχορηγείται από το Υπουργείο Πολιτισμού και Αθλητισμού για το συγκεκριμένο έργο.

Συμπαραγωγή: Φεστιβάλ Αθηνών & Επιδαύρου - Διεθνές Φεστιβάλ Χορού Καλαμάτας - Ομάδα Jukstapoz

festival kalamata juk

--

 Jukstapoz Company

Η ομάδα χορού Jukstapoz ιδρύθηκε από τη Χριστίνα Γουζέλη και τον Paul Blackman το 2010. Και οι δύο έχουν έδρα την Αθήνα, και συνεργάζονται, περιοδεύουν και διδάσκουν σε διεθνείς πλατφόρμες, εκπαιδευτικούς και καλλιτεχνικούς οργανισμούς σε Ευρώπη, Ασία και Αυστραλία.

Καταξιωμένη χορεύτρια, η Χριστίνα Γουζέλη έχει συνεργαστεί με κορυφαίους χορογράφους όπως οι Jasmin Vardimon, Wim Vandekeybus, Anton Lachky, RootlessRoot, David Zambrano και Pascal Rioult. Υπότροφος του DanceWEB το 2004, έλαβε στη συνέχεια υποτροφία για το πρότζεκτ 50 Days/Costa Rica 2010. Ανήκει στο διδακτικό προσωπικό της Κρατικής Σχολής Ορχηστικής Τέχνης. Τα τελευταία δύο χρόνια ήταν Artist-in-Residence στην Ακαδημία Χορού του Χονγκ Κονγκ και προτάθηκε για τα βραβεία Καλύτερης Χορογραφίας και Καλύτερου Χορευτικού Συνόλου με την παράσταση Fragile Matter.

 

JOSEF NADJ & JOËLLE LÉANDRE 
PENZUM

20 & 21.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Στούντιο | 20:00

Jozef Nadj 3

Η λέξη penzum σημαίνει το σύνολο της εργασίας που πρέπει να ολοκληρωθεί σε μία ημέρα και για την οποία κάποιος φέρει την ευθύνη. Ο όρος εμφανίζεται σε ένα αμετάφραστο ποίημα του Αττίλα Γιόζεφ (Attila József, 1905-1937), εμβληματικού oύγγρου ποιητή που επηρέασε γενιές συγγραφέων και καλλιτεχνών. Ο χορογράφος, χορευτής και εικαστικός Josef Nadj [Γιόζεφ Νατζ] και η κοντραμπασίστα και συνθέτις Joëlle Léandre [Ζοέλ Λεάντρ] συνέλαβαν το Penzum ως φόρο τιμής στον μεγάλο ποιητή. Σε μια σύνθεση χορογραφίας, μουσικής και σχεδίου και φορώντας αφρικανικές μάσκες, οι δύο καλλιτέχνες σκηνοθετούν το ντουέτο τους μέσα από τον ελεύθερο αυτοσχεδιασμό. Είναι ένα «ανοιχτό» έργο, που γράφεται διαρκώς όσο εκτελείται, καρπός της απόλυτης επικοινωνίας μεταξύ των δύο ερμηνευτών. Μέσα απ’ όλη τη διαδικασία, επιδιώκουν να μεταδώσουν την ένταση των λέξεων του Attila József. Η ποίησή του δεν παύει ποτέ να επιδρά στην καρδιά και το νου των δύο ερμηνευτών. Τους καθοδηγεί, τους εμπνέει.

[…] Σύντομα θα πρέπει να φύγω. Πρέπει να δείξω στον εαυτό μου πως είμαι κάποιος
εκτός κι αν δεν υπάρχω. Μονάχα οι άλλοι με βλέπουν.
Προς το παρόν, έχω ακόμη το λαιμό μου. Το τρένο δεν τον έκοψε ακόμη.
Ούτε η γλώσσα μου κόπηκε.
Αλλά σε ποιον να μιλήσω…;
Αυτό είναι ένα σταθερό σημείο.

Attila József, «Ελεύθερες ιδέες»
Μετ. Κώστας Βραχνός
(από την ανεπεξέργαστη μετ. του Josef Nadj)

Διάρκεια : 50΄

--

Σύλληψη-Ερμηνεία: Josef Nadj, Joëlle Léandre
Φωτισμός-Τεχνική διεύθυνση: Sylvain Blocquaux
Κατασκευές: Julien Fleureau
Μάσκες: Jacqueline Bosson
Κοστούμια: Aleksandra Pešić
Κείμενο: Attila József
Παραγωγή/Περιοδεία: Bureau Platô (Céline Chouffot, Séverine Péan, Emilia Petrakis)
Συμπαραγωγή: Centre chorégraphique national d’Orléans, Atelier 3+1

/ Ο Josef Nadj με το Atelier 3+1 έχει τη στήριξη του Υπουργείου Πολιτισμού της Γαλλίας (DGCA).

Με την υποστήριξη: 

CMYK Ambass eps

IFA 111 logotype outline CMYK

--

 

 JOSEF NADJ

Η γαλλίδα κοντραμπασίστα, αυτοσχεδιάστρια και συνθέτις Joëlle Léandre [Ζοέλ Λεάντρ] είναι από τις κορυφαίες προσωπικότητες της νέας ευρωπαϊκής μουσικής. Μελέτησε την ορχηστρική και σύγχρονη μουσική, και έχει συμπράξει με τους L’Itinéraire, 2e2m και Ensemble Intercontemporain του Pierre Boulez. Η Joëlle Léandre έχει συνεργαστεί επίσης με τον Merce Cunningham και τον John Cage, ο οποίος έχει συνθέσει έργα ειδικά για εκείνη – όπως και οι Scelsi, Fénelon, Hersant, Lacy, Campana, Jolas, Clementi και άλλοι περίπου σαράντα συνθέτες.

Παράλληλα με τη σύγχρονη μουσική, η Léandre έχει συνεργαστεί με μερικά από τα μεγαλύτερα ονόματα της τζαζ και του αυτοσχεδιασμού, όπως οι Derek Bailey, Anthony Braxton, George Lewis, Evan Parker, Irene Schweizer, William Parker, Barre Phillips, Pascal Contet, Lauren Newton, Peter Kowald, Urs Leimgruber, Mat Maneri, Roy Campbell, Fred Frith, John Zorn, Mark Naussef, Marilyn Crispell, India Cooke και πολλοί άλλοι.

Έχει συνθέσει πολλά έργα για το χορό και το θέατρο, και έχει ανεβάσει πολλές παραστάσεις που συνδυάζουν διαφορετικές μορφές έκφρασης. Είναι υπότροφος της DAAD (Βερολίνο) καθώς και μόνιμη καλλιτέχνις στη Villa Kujiyama (Κιότο). Τα έτη 2002, 2004 και 2006, υπήρξε επισκέπτρια καθηγήτρια αυτοσχεδιασμού και σύνθεσης στην Έδρα Darius Milhaud του Mills College στο Ώκλαντ της Καλιφόρνιας. Τόσο ως συνθέτις όσο και ως ερμηνεύτρια, έχει εμφανιστεί σε ρεσιτάλ και συναυλίες σε μεγάλες αίθουσες σε Ευρώπη, Αμερική και Ασία. Από το 1981, που πρωτοεμφανίστηκε στη δισκογραφία, αριθμεί πάνω από 150 ηχογραφήσεις.

«Ο χορός, πάνω απ’ όλα ως χώρος συνάντησης»

Josef Nadj

Χορευτής, αλλά και εικαστικός καλλιτέχνης και φωτογράφος, με ένα ποιητικό και γεμάτο πάθος όραμα για την ανθρωπότητα, ο Josef Nadj [Γιόζεφ Νατζ] αναζητά συνεχώς νέες μορφές έκφρασης, πάντα πρόθυμος να ερευνήσει την ανθρώπινη φύση με στόχο την αλήθεια.

Κατά τη διάρκεια της μακρόχρονης καριέρας του, από το Canard pékinois (1987) έως το Penzum (2017), ο Josef Nadj υπηρετεί με αμείωτο πάθος μια απαιτητική, γεμάτη ένταση χορογραφία, όπου εναλλάσσονται το σοβαρό με το σπλαχνικό, το βαθύ με το ιλαρό.

Είτε ασχολείται με μη συμβατικούς συγγραφείς (Μπέκετ, Κάφκα, Μισώ) είτε φέρνει μαζί του επί σκηνής τη ζωγραφική (σε περφόρμανς με τον Miquel Barceló), ο Josef Nadj ανθίζει μέσα σε πλήρη σωματική ελευθερία. Κινούμενος μεταξύ πραγματικότητας και φαντασίας, παράδοσης και νεωτερισμού, διερευνά το ουσιώδες: τη σχέση του ανθρώπου με τον εαυτό του. Γιατί, για τον Nadj, ο χορός είναι μια βαθιά ανθρωπιστική πράξη.

Με τα χρόνια, τα έργα του έχουν καταστεί σημείο αναφοράς για τον σύγχρονο χορό. Πέρα από την αναγνώρισή του σε εθνικό επίπεδο (Carte Blanche στο Grande Halle de La Villette, Παρίσι 2014, Συνεργαζόμενος Καλλιτέχνης του Φεστιβάλ Αβινιόν 2006, όπου ανακηρύχθηκε «δημιουργός χωρίς σύνορα»), το έργο του γνωρίζει τιμές και διακρίσεις σε ολόκληρο τον κόσμο.

Περισσότεροι από 400.000 ενθουσιασμένοι θεατές σε πέντε ηπείρους έχουν συγκινηθεί με τα έργα του στους πιο σημαντικούς διεθνείς χώρους πολιτισμού. Αντλώντας έμπνευση από τις καταβολές των μεγάλων μύθων, συνδυάζοντας με πάθος διάφορες μορφές καλλιτεχνικής έκφρασης και πολιτιστικές αναφορές, ο Josef Nadj ξέρει πώς να αναπτύσσει μια καθολική γλώσσα. Από το 1995 έως το 2016, ο Josef Nadj υπήρξε διευθυντής του Centre chorégraphique national d’Orléans. Από το 2017 ζει στο Παρίσι και δημιουργεί με τη νέα του ομάδα Atelier 3+1.

SVALBARD COMPANY 
ALL GENIUS ALL IDIOT

20.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Κεντρική σκηνή | 22:00

Svalbard Company

Το All Genius All Idiot δεν είναι μια κλασική παράσταση τσίρκου. Είναι μια πολυμορφική, εξαιρετικά δημιουργική, εντελώς εξωφρενική σύνθεση με εκρηκτική ζωντάνια, εντυπωσιακές εικόνες, ατόφια έκφραση και γοητευτικά ηχοτοπία. Είναι μια βραβευμένη παράσταση, το ντεμπούτο της Svalbard Company, ενός δυναμικού συνόλου τεσσάρων διεθνών ερμηνευτών με εξαιρετικές ικανότητες. Το All Genius All Idiot κινείται ανάμεσα στην κομψότητα και τη γελοιότητα, σε μια πλούσια σύνθεση δημιουργικότητας και δεξιοτεχνίας.

Ποιητικό και φιλοσοφικό, ατμοσφαιρικό και επικίνδυνο, έντονο και αισθησιακό, χύμα όσο και παράλογο, πρόκειται για ένα έργο τέχνης που αμφισβητεί κάθε περιορισμό. Μια αντιπαράθεση διαφορετικών μορφών έκφρασης που διερευνά τις έννοιες της σεξουαλικής ταυτότητας, της ρευστότητας του εαυτού, του κάλλους και του μεγαλείου, με μια μοναδικά πληθωρική γλώσσα. Το All Genius All Idiot είναι μια αυθεντική, προκλητική παράσταση γεμάτη ενέργεια, που δεν θα ξεχάσετε εύκολα.

Διάρκεια: 70’

∆εν επιτρέπεται η είσοδος σε ανήλικους κάτω των 16 ετών.

--

Σύλληψη-Ερμηνεία: Benjamin Smith, John Simon Wiborn, Tom Brand, Santiago Ruiz, Albalate
Καλλιτεχνικός συνεργάτης: Peter Jasko
Σκηνογραφία: Kasper Svenstrup Hansen
Τεχνικός ήχου-φωτισμού: Ernesto Javier Monza Alvez
Φωτισμός: Zuzana Rezna
Καλλιτεχνικός σύμβουλος: Methinee Wongtrakoon
Καλλιτεχνικός σύμβουλος-Προπονητής ακροβατικών: Bahoz Temaux
Σύμβουλος μουσικής: Mae Karthäuser
Κοστούμια: Michiel Tange van Leeuwen
Παραγωγός-Γραφείο παραγωγής: Josefin Lindberg/Follow the Rabbit & Wolfgang Hoffman/Aurora Nova

Με την υποστήριξη των: Konstnärsnämnden, Kulturrådet, Arts Council England, Glastonbury Arts Commission, Stockholms Stad, Subtopia, Cirk la Putyka, Cirkör LAB & Jacksons Lane

--

 Svalbard Company

Η Svalbard Company, με βάση τη Στοκχόλμη, είναι μια πολυμορφική ομάδα τσίρκου με μέλη τέσσερις διεθνείς νεαρούς καλλιτέχνες (Ben Smith - Ηνωμένο Βασίλειο, John Simon Wiborn - Σουηδία, Tom Brand - Γερμανία, Santiago Ruiz - Ισπανία).

Και οι τέσσερις είναι απόφοιτοι του DOCH (2014) και διαθέτουν πολλές και ιδιαίτερες δεξιότητες σε διάφορα είδη παράστασης τσίρκου. Έχουν συνεργαστεί με τους Animal Religion σε παραστάσεις ειδικά σχεδιασμένες για συγκεκριμένους χώρους, όπως το Chicken Legz, που παρουσιάστηκε στη ∆ιεθνή ∆ιοργάνωση Fira Tàrrega (Ισπανία) και στην Ιαπωνία και για το οποίο απέσπασαν τα βραβεία Moritz και Zirkolika το 2014. Το Φεβρουάριο του 2015 κέρδισαν την κορυφαία διάκριση Zirkolika για την καλύτερη παράσταση τσίρκου του 2015 με το Sifonofor, μια ακόμη συνεργασία με τους Animal Religion, που παρουσιάστηκε στη Βαρκελώνη.

Το All Genius All Idiot, με το οποίο έκαναν το ντεμπούτο τους ως ομάδα, παρουσιάστηκε για πρώτη φορά, το 2016, στο Jatka 78 στην Πράγα. Ακολούθησαν sold-out παραστάσεις στο London International Mime Festival, καθώς και ένας μήνας με παραστάσεις στο Adelaide Fringe. Στο Adelaide Fringe Weekly Awards (2016) απέσπασε τη διάκριση Best Circus and Physical Theatre. Έκτοτε, η παράσταση έχει ταξιδέψει σε ολόκληρο τον κόσμο.

MARQUESE SCOTT & POPPIN JOHN

21.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Κεντρική σκηνή | 22:00

Marquese Poppin

Οι Marquese Scott [Μαρκίζ Σκοτ] και Poppin John [Πόππιν Τζον] ίσως δεν χρειάζονται συστάσεις, καθώς τα βίντεο με τις εμφανίσεις τους έχουν εκατομμύρια προβολές στο ΥouΤube. Είναι από τους σημαντικότερους χορευτές animation και poppin στον κόσμο. Αυτοδίδακτοι, πρωτοπόροι και διαρκώς εξελισσόμενοι, αποτελούν πρότυπο για εκατομμύρια νέους, ενώ έχουν ανοίξει το δρόμο για νέες δυναμικές στην ανθρώπινη κίνηση και τον σύγχρονο χορό.

To δίδυμο από τις ΗΠΑ, με τις εξωπραγματικές κινητικές ικανότητες, έρχεται για πρώτη φορά στην Ελλάδα για μία εμφάνιση στην Κεντρική Σκηνή του Μεγάρου Χορού και μία παράσταση δρόμου, δίνοντας στο κοινό την εξαιρετική ευκαιρία να απολαύσει τον αστείρευτο πλούτο και τη γνήσια έκφραση της κουλτούρας που πάλλεται εδώ και χρόνια στους δρόμους των μεγαλουπόλεων. Η παρουσία των Marquese Scott και John Poppin στο 24ο ∆ιεθνές Φεστιβάλ Χορού Καλαμάτας αποτελεί έναν μικρό φόρο τιμής στους μάγους του σύγχρονου χορού.

Διάρκεια : 50΄

--
Σύλληψη-Χορογραφία: Μarquese Scott & Poppin John
Παραγωγή: Aris Golemi
--

 Marquese Scott

O Μarquese Scott (γεννημένος το 1981) είναι χορευτής animation που αρχικά ασχολήθηκε με το poppin dance. H δουλειά του έγινε γνωστή από μουσικά βίντεο που φτιάχνει ο ίδιος, τηλεοπτικές εκπομπές, διαφημίσεις και ζωντανές εμφανίσεις σε τηλεοπτικές απονομές βραβείων. Η πρώτη του επαφή με το χορό έγινε σε ένα διαγωνισμό σε τοπικό κέντρο της πόλης του για roller skating. Στο Λύκειο αφοσιώθηκε ακόμα περισσότερο στο χορό, συμμετέχοντας στην ομάδα του σχολείου του στην Ινδιανάπολη. Το 2003, μετακόμισε στην Ατλάντα, όπου εκεί γνώρισε άλλους χορευτές και έμαθε την τεχνική του animation, ενώ ταυτόχρονα άρχισε να ανεβάζει βίντεο στο YouTube με τον ίδιο να χορεύει σε δημόσιους χώρους. Το 2011, το 53ο του βίντεo, όπου χορεύει ένα ρεμίξ του Butch Clancy με το όνομα Foster the Peoples Pumped Up Kicks, έγινε viral με 1,5 εκατ. προβολές σε τέσσερις μέρες – γεγονός που εκτόξευσε τη φήμη του. Σήμερα το βίντεο αυτό έχει ξεπεράσει τις 133 εκατ. προβολές.

Ο Poppin John (γεννημένος το 1986) είναι αμερικανός χορευτής. Μεγάλωσε στο Φάρμινγκτον του Νέου Μεξικού και η πρώτη φορά που αποφάσισε να ασχοληθεί με το χορό ήταν στην ηλικία των έντεκα ετών, σε μια οικογενειακή γιορτή στο Κολοράντο. Κατά τη διάρκεια της εφηβείας του, δημιούργησε μια χορευτική ομάδα με φίλους του για να λαμβάνουν μέρος σε διαγωνισμούς. Σήμερα, μετά από εκατοντάδες «μάχες» και άπειρες ώρες προπόνησης, έχει καταφέρει να γίνει ένας από τους διασημότερους χορευτές animation, poppin και dubstep στον κόσμο. Πριν από μερικά χρόνια δημιούργησε την προσωπική ιστοσελίδα learn2boost και πλέον είναι δάσκαλος χιλιάδων μαθητών μέσω του διαδικτύου.

KΌKAKEPANU / ΚΩΝΣΤΑΝΤΙΝΑ ΕΥΘΥΜΙΑΔΟΥ & ΠΑΝΑΓΙΩΤΗΣ ΜΑΝΟΥΗΛΙΔΗΣ 
IN CASE OF LOSS

22.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Στούντιο | 20:00

Kokakepanu

Χορδές και συγχορδίες με δύο ερμηνευτές: έναν μουσικό και μια χορεύτρια. Αποτυγχάνοντας και ξεκινώντας πάλι από την αρχή, γυρνώντας προς τα πίσω και αναδημιουργώντας, ένας άντρας και μια γυναίκα ξεδιπλώνουν ένα εικαστικό και μουσικό τοπίο από απολεσθέντα αντικείμενα, καταστάσεις, ανθρώπους που αναζητούν το δρόμο της επιστροφής, από το Σκοτάδι στο Φως.

Ψάχνοντας για την άκρη του μίτου – ή μήπως για την αρχή; Η καθηλωτική, χωρίς όρια κίνηση της Κωνσταντίνας Ευθυμιάδου και το ξεχωριστό ηχόχρωμα του Panu συνθέτουν μιαν έντονα ατμοσφαιρική παράσταση. Το In Case οf Loss είναι μια ιδιαίτερη χοροσύνθεση, όπου ήχος και κίνηση γίνονται το μέσο για να επαναφέρουμε στην παρούσα στιγμή –σε μια αέναη απώλεια και επανεύρεση– το χώρο, αφού είναι αδύνατο να επαναφέρουμε τον ίδιο το χρόνο.

Νήματα που μοιάζουν με σημάδια προσανατολισμού γίνονται κλωστές για μαριονέτες, περιορίζοντας και ταυτόχρονα καθοδηγώντας το σώμα της χορεύτριας στο χώρο. Ένα ταξίδι παντοτινής αναχώρησης και επιστροφής, το In Case of Loss είναι το μαγευτικό αποτέλεσμα της πρωτότυπης συνεργασίας δύο εξαιρετικά ταλαντούχων καλλιτεχνών.

Διάρκεια : 50΄

--

Σύλληψη-∆ημιουργία: Παναγιώτης Μανουηλίδης, Κωνσταντίνα Ευθυμιάδου
Χορογραφία: Kωνσταντίνα Ευθυμιάδου
Μουσική: Panu (Παναγιώτης Μανουηλίδης)
Σκηνική εκτέλεση: Κωνσταντίνα Ευθυμιάδου, Παναγιώτης Μανουηλίδης
Επεξεργασία ήχου: Λεωνίδας Μπεïλής
Φώτα-Φωτιστικές κατασκευές: ∆ήμητρα Αλουτζανίδου
Σκηνικά-Κοστούμια: Kόkakepanu
Video art-Φωτογραφίες: Παναγιώτης Ανδριανός

Συμπαραγωγή:

logo red gr

 

Η παράσταση παρουσιάζεται σε παγκόσμια πρεμιέρα στο 24ο ∆ιεθνές Φεστιβάλ Χορού Καλαμάτας

Mε την υποστήριξη:


logo baumstrasse redesigned ALL

logo garage arts center

--

 kakepanu

Kόkakepanu είναι το ντουέτο της Κωνσταντίνας Ευθυμιάδου και του Παναγιώτη Μανουηλίδη.

Κωνσταντίνα Ευθυμιάδου (Kόka)

Απόφοιτος της Κρατικής Σχολής Ορχηστικής Τέχνης. Έχει συνεργαστεί με τους Akram Khan, Wim Vandekeybus & Ultima Vez, Roberto Olivan & Enclave Dance Company, Jozef Frucek & Λίντα Καπετανέα (Rootlessroot), Χριστίνα Γουζέλη & Paul Blackman (Jukstapoz). Οι προσωπικές της χορογραφικές αναζητήσεις αρχίζουν το 2012. Έκτοτε παρουσίασε δύο ατομικές χορογραφίες, Henshin και Lapses of Light, και δύο ομαδικές, Looking Forward to Meeting και Mind the Heart.

Η νέα της δημιουργία, In Case οf Loss, είναι καρπός της συνεργασίας της με τον Παναγιώτη Μανουηλίδη.

Παναγιώτης Μανουηλίδης (Panu)

Μουσικός και συνθέτης, έχει κυκλοφορήσει τρεις προσωπικούς δίσκους και τρεις δίσκους με τους Lemonostifel. Συνεργάζεται σταθερά με τους Μιχάλη Σιγανίδη, Βασίλη Μαντζούκη - Μάρθα Φριντζήλα (Baumstrasse), Πρόδρομο Τσινικόρη και Ανέστη Αζά. Έχει συνεργαστεί με το Εθνικό Θέατρο, το Φεστιβάλ Αθηνών και Επιδαύρου, τη Στέγη Γραμμάτων και Τεχνών, το Münchner Kammerspiele, τους Rootlessroot καθώς και με πολλούς έλληνες μουσικούς, σε ηχογραφήσεις και συναυλίες στην Ελλάδα και το εξωτερικό. Ζει στην Αθήνα.

LES SLOVAKS 
JOURNEY HOME

22.07.2018
Μέγαρο Χορού Καλαμάτας - Κεντρική σκηνή | 22:00

Les Slovaks

Οι Les Slovaks παρουσίασαν το Journey Home για πρώτη φορά στις Βρυξέλλες το Νοέμβριο του 2009. Έκτοτε περιοδεύουν με το έργο αυτό σε ολόκληρο τον κόσμο, ενθουσιάζοντας το κοινό με το παιχνιδιάρικο αλλά και γεμάτο δύναμη και ευαισθησία στιλ τους. Σε μια πολυφωνική παράσταση εμπνευσμένη από τον παραδοσιακό χορό, οι πέντε χορευτές του συγκροτήματος Les Slovaks, μαζί με τον παλιό συνεργάτη τους, τον μουσικό και συνθέτη Simon Thierrée, ξέρουν πώς να καθηλώνουν τον θεατή. Πρόκειται για μια σύνθεση από χορευτικές μινιατούρες, γεμάτες συναίσθημα, φαντασία, κοινά ιστορικά βιώματα και χιούμορ, που φέρνει κάθε χορευτή στο προσκήνιο ως σολίστ και ταυτόχρονα ως οργανικό στοιχείο μιας δυναμικής και οικογενειακής συλλογικότητας. Ο Simon, ως προσεκτικός ράφτης/μαέστρος, κεντά την πολύχρωμη μουσική του στο μέτρο κάθε χορευτικής σκηνής, επιτυγχάνοντας την τέλεια εφαρμογή, και οι Les Slovaks τραγουδούν και χορεύουν από καρδιάς, υπενθυμίζοντάς μας τη δύσκολη αλλά και γεμάτη ικανοποίηση εμπειρία της συλλογικής δημιουργίας και διαβίωσης.

 

--
Χορογραφία-Ερμηνεία: Les SlovaKs Dance Collective (Martin Kilvady, Peter Jasko, Anton Lachky, Milan Herich, Milan Tomášik) 
Συνθέτης και μουσικός επί σκηνής: Simon Thierrée 
Σχεδιασμός σκηνικού: Les SlovaKs Dance Collective, Joris De Bolle 
Σχεδιασμός φωτισμού: Joris De Bolle 
Σχεδιασμός κοστουμιών: Mat Voorter, Pepa Martinez 
Τεχνικός ήχου και φωτισμού: Tom Daniels
Παραγωγή: Phileas Productions 
Συμπαραγωγή: Kaaitheater (Βέλγιο), Charleroi/Danses (Βέλγιο), Teatre Mercat de les Flors (Ισπανία), Hellerau - European Center for the Arts Dresden (Γερμανία)
Με τη συνεργασία του DCJ - Dans Centrum Jette (Βέλγιο)
--

 Les SlovaKs

Οι Les Slovaks είναι μια κολεκτίβα πέντε ανεξάρτητων αεικίνητων χορευτών με καταγωγή από τη Σλοβακία (Milan Herich, Peter Jaško, Anton Lachký, Milan Tomášik και Martin Kilvády). Παιδικοί φίλοι και κατά καιρούς συγκάτοικοι και συνάδελφοι, αποφάσισαν, τo 2006, να δημιουργήσουν την ομάδα Les Slovaks. Το πρώτο τους έργο με τίτλο Opening Night έκανε πρεμιέρα το Νοέμβριο του 2007 και αποτέλεσε τη βάση του συλλογικού τρόπου σκέψης και δουλειάς τους. Αποτέλεσε επίσης αρχή για την ανάπτυξη της κοινής τους ικανότητας να συνθέτουν την ώρα που παίζουν στη σκηνή καθώς και της κοινής χορευτικής τους γλώσσας (που αργότερα ονομάστηκε Νέος Παραδοσιακός Χορός). Τα έργα που ακολούθησαν, Journey Home (2009) και Fragments (2013) αντανακλούν την ωρίμανση αυτή της γλώσσας. Συνδυάζοντας αμέτρητα στιλ, οι Les Slovaks χρησιμοποιούν τη μουσική, τους σλοβάκικους παραδοσιακούς χορούς, το πολυφωνικό τραγούδι, το χιούμορ και την ευαισθησία για να δημιουργήσουν παραστάσεις χορού γεμάτες ζωντάνια και ελευθερία.

Προγραμμα / ημερα

Πρόγραμμα 1ης ημέρας // 13.7.18
Περισσότερα...
Πρόγραμμα 2ης ημέρας // 14.7.18
Περισσότερα...
Πρόγραμμα 3ης ημέρας // 15.7.18
Περισσότερα...
Πρόγραμμα 4ης ημέρας // 16.7.18
Περισσότερα...
Πρόγραμμα 5ης ημέρας // 17.7.18
Περισσότερα...
Πρόγραμμα 6ης ημέρας // 18.7.18
Περισσότερα...
Πρόγραμμα 7ης ημέρας // 19.7.18
Περισσότερα...
Πρόγραμμα 8ης ημέρας // 20.7.18
Περισσότερα...
Πρόγραμμα 9ης ημέρας // 21.7.18
Περισσότερα...
Πρόγραμμα 10ης ημέρας // 22.7.18
Περισσότερα...